​Diary : Translating Flowers 

My approach to my art comes from observing the small things and events that are normally obscured as we go about our busy daily lives. This evolved from my personal experiences when people very close to me became ill.  While I took care of them as they faced death I realized how precious our ordinary days are as well as the small daily events that often pass unnoticed.  That was when I began to keep notes from day to day about these little things I observed.

 

I began to feel that my thoughts seemed to match the language of flowers, and that is when I started to create pieces based on  images of flowers.  Glass gives me a sense of transience that can mirror or reflect the imagery of flowers and is the right material for me to reflect the themes of my work.

 

In Japan, our ancestors often painted flowers and tiny insects that expressed the ephemeral and transient nature of life.  I feel that glass is a natural medium for expressing the images in my mind as a form of art.

 

As an artist I experienced an important change in 2012 when I moved to Hida-Takayama which is rich in natural beauty.  Previously I had always lived in urban residential areas where I never felt emotional connections to place.  As I started my new life in Hida-Takayama I began to understand for the first time the deep connection people have to the place where they live...the sense of belonging.  I also began to understand the grief and pain people felt when they were forced to leave their land and when they were separated from loved ones.  Since that time I have been focusing on the conflicts and contradictions in our societies and also on the importance of passing on the stories of war and environmental problems to future generations.  That is why I am now working on a new theme--enquiring about the value of our lives--for which I am using black colored glass.

 

I am reminded of an event when I was a child.  I did not know what color to use to draw the sun. In books I had seen the sun depicted in orange, but the sun did not really look orange to me.

The way I think now has not changed since I was that little girl, because I often question so called ‘common knowledge’ wondering if what we think individually is really true or accurate? 

 

I have chosen glass as the medium for my artistic expression because of its fragility and tendency to break; I do not see these cracks as a negative outcome, but instead I use these imperfections in my work as a serendipitous occurrence of form. Ceramic art is very different because irregularities, deformities, cracks and imperfections are often appreciated.  I am trying to adopt this same ‘casual’ attitude of ceramics in my use of the hard material of glass, with all of its inherent characteristics. I now understand that it is possible to be free of “perfect beauty” when working with glass.  I have a feeling this may derive from our Japanese concept of accepting nature as it is, and coexisting rather than confronting it. 

I hope this leads me to something never before noticed, and therefore a step closer to the answer to my questions. This has led me to where I am today.
 

​October 2016

Runa Kosogawa

​気づきを紡ぐ

私は日常に埋もれがちなささやかな命や出来事に気がつく瞬間を提示する、という試みをしている。

 

この試みは、身近な人たちの病気や介護を通して死と向き合い、当たり前のように過ごしていた日々の営みが、とても貴いものだということに気づかされた事に起因している。それまで見過ごしがちだった、小さな命や出来事が尊いものに感じられ、日々のささやかな気づきを綴ることを始めた。

 

日々綴った言葉を花言葉に重ね合わせ、その花言葉を持つ花を具象化させる

“ガラスの花弁”が、現作品の起点となっている。ガラスは儚さを彷彿とさせ、心象を透過する側面からも自身の制作テーマを表現しやすい素材と感じている。

ガラスの世界では、フラジャイルな素材を割れないようにコントロールする技術が求められるのだが、私は制作過程で生じたクラックを活かす事で、素材が完成された美のイメージから解き放たれる可能性を提示したいとも考える。

咲いては散ってゆく草花や小さな虫たちの姿を、屏風や絵巻物といった調度品・美術品に取り入れ愛でてきた祖先の生き方に見られるように、心象を具象の形に落とし込む私の制作スタイルは、ごく自然な在り方ではないだろうか。

 

また、2011年に起こった東日本大震災と自然豊かな飛騨高山に移り住んだ事は、制作の大きな転機となった。住宅街で育ち、住む場所に思い入れのない人生を歩んできた私は、地方が抱える高齢化・過疎化問題、医療崩壊に直面したことで、消えゆく慣習、戦争・公害の風化、土地と人々の結び付きについて深く考えるようになった。

この新たな大きな気づきから、公害問題や戦争を語り継いでいく重要性と

社会が抱える矛盾に焦点を当て、命の問いをテーマにした黒色の作品を制作している。

 

それまで気づくことのなかった物事に視線を落とし、検証し、湧いてくる疑問の答えに少しでも近づきたいという想いが、私を揺り動かし、私の手を動かしていると信じている。

 

 

                          2016年10月   小曽川 瑠那

​今、思うこと

私の作品は、まず私が大切だと信じる事や伝えたい事柄を書き出し、作品像が浮かび上がった後、作品に適した技法(習得した技法、もしくは新たな技法を習得・発見)を模索しながらつくられる。思考を深め、技巧が空気のように感じられる作品の在り方を目指している。

 

このような考えに至った理由として、高度経済成長期から日本では技術が重視され、大きな発展を遂げたことに自身が引っかかりを覚えている点が挙げられる。経済発展の代償として、過疎化、医療崩壊、公害問題、格差社会など様々な問題が生じたと思えてならない。

 

5年前飛騨高山に移住し、3年前病気になった私は、医療崩壊の現状に遭遇し、今の医療システムにやりきれなさを感じる日々を送ることとなった。技術と発展を慮る余り、思想や哲学への追究が疎かにされ、想像力と優しさが失われた結果なのではと、身をもって感じている。

この経験から、これまで人間が生み出してきた表現の資産を多く体験し、各々の中に歴史観を立ち上げていく事で、私たちが抱える様々な問題の突破口が見出せるかもしれない、と考えるようになった。

 

私は作品を通して現状を世に投げかける事で、ふと立ち止まって考える機会と共有できる場をつくりたいと願う。そこでは技巧だけでなく、美術の成り立ちと私がつくる理由を、受け手側に真剣に伝える必要がある。

文学、科学、数学、医学など様々な分野と手を取り合い、互いに造詣を深めていく事、知性ある美を構築していく事の必然性を感じている。

 

​                                  2017年5月   小曽川 瑠那

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